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[想攝影138] 細說分鏡 Vol.15
🎥 影片時間連結：https://youtu.be/3XpWY8Xbe5U?t=204
🖍在我心中，沒有那句「差不多這麼拍就好」
🖍每個參數都代表者
🖍心中當下感受的一項取捨
🖍既是為了創作與藝術，所做下的決定
🖍每一次次的決定，都是獨一無二

決定曝光構圖與曝光 (How)，以及創作者身後的動機 (Why)，兩者交接的地方，那就是照片故事 (Story)，故事已經發生，且存在在那裡不會改變，身為創作者，或是說書人，對於相同的故事所能做的，就是找出自己如何理解故事，與故事的關係在哪裡，每個人對故事都有不同的表達方式，這就是「創造力」讓這個世界更有趣豐富的地方。

🟥電影重播、重製與重拍
「重播」就是同一隻影片，原封不動的按下「播放鍵」，從中播到尾，任何一點改變也沒有，不會有任何新意在裡頭，你無論看上幾篇遍，影片永遠都是相同的內容，差的就是你多看幾次，心中解讀也會多少而有差異。

🔹在我心中最明顯的例子，就是電影「絕地任務 The Rock」, 描求一名軍官為了掙取為了愛國進行任務死去的同袍弟兄，得不到應有的撫恤對待，因為挾持惡魔島監獄的觀光客，以要求政府巨額的贖金來賠償那些死去的士兵將領，每每在第四台看到這部電影一再重播，我都會停下來看完它 (無論從哪一段開始)，雖然劇情倒背如流，已經無任何驚喜與期待，但是每回看時都會對劇情中不同的片段，在心中就會對該片段，有了一些新的想法，是過去幾次沒有想到的部分，特別是裡頭，由「艾德．哈里斯」飾演的「弗蘭克」，最後對著手下傭兵說的那句話「士兵，任務結束」，有次看到這段，正是因為知道他整個恐怖行動目的為何，也知道即將發生的悲劇，特別看看他說這句話的態度神情，那時的堅定的神情是整部片中我認為最精采的一段，反而推翻了許多人心中 (包含我)最經典的橋段 – 尼可拉斯凱吉雙手握著信號火花，脆在空地，背對著觀眾面對二台投下炸戰飛機整個人被炸飛的經典畫面。🔹

重製電影就是將既有的內容，透過更好的數位修復技術，讓畫質、音響得到更好的品質，當你重看後，得到的感受差別不大，最多就是視聽的享受提昇一級，不過也能在閱讀重播的電影過程中，重新發現更有趣值得討論的空間，也能在畫質、音效提昇的空間下，發堀出一開始沒看清楚的電影細節。

重播、重製都可說是相同的元素、相同的畫面，最多重製後的電影，新增了過去因時空限制下沒放入的片段，讓整部劇情更加完整，甚至反轉了電影本身主指 (比如說銀翼殺手，因應不同播放地區，刪除、新增部分片段，使得既是重製，也更還原作品的原貌)。
「重拍」就是完全不同的作品了，重拍的「幅度」可大可小，小幅度的微調，比如說「倚天屠屠龍記」，每段時間就重拍一輪，小說依舊不變，差的是選角的適配性，或是劇情微調讓觀看的節奏更好一些，但故事還是相同；大幅度的改變是否還稱作「重拍」就有待商確，比如角色的「性轉」，男性變女性 (或反過來)，黑人變白人等等，「性別、種族」等觀念大大影響一部電影角色意義與價值，雖然是對既有的小說改變成電影後「重拍」，但「小說歸小說」「電影與重重作品」等這三者，就可說是三個獨立的故事。

🟥照片故事與創作者
猴硐貓村，自早是有許多貓在那兒棲息，又再加上貓群的繁殖，因而聚集上百隻貓在那兒與居民共處，透過愛貓人士發起「有貓相隨、猴硐最美」等活動，再配合政府規畫、建設，在 2013 年與日本兩大貓島、美國、義大利、土耳期等地，有著「世界六大賞貓景點」之美稱。

相同的故事，同樣前往貓村拍貓的人，背後動機可就完全不同，我相信大多是「貓奴」「愛貓人士」居多，前往這奇特景觀的小小村落，更多是像我這種純粹的觀光看，感到好奇去看看世界有名的「貓村」是什麼模樣，相同的故事，不同的動機，交織出來的「照片裡的故事」，自然不同。

🔹我認為呀，相同在貓村所創出每個照片，照片故事盡管大同小異，就算兩人用相同的構圖拍攝同一場景、同一隻貓，相同的照片故事，會因攝影者 – 也就是說故事的人，心中對貓村的「連結感受不同」，使得拍攝照片流程、動作、構圖一致，背後想訴說的故事也更有意思，若請這兩位發表分享一下「照片的故事」，我們能從二位創作者表達過程中，感受到「是純粹湊熱閙的觀光客?」還是「愛貓成痴的貓奴?」二者之間熱情的不同。🔹

不過呢，這故事還在進行，自 2009 年開始規畫、發展至今，這十多年間的變化不斷的改變「世界最佳賞貓景點」的樣貌，比如說一些惡劣的飼主在這裡遺棄動物，或是觀光客太多造成當地景觀破壞、居民生活被打擾，或是貓咪被人偷走、動物間的傳染的疫情等問題，都不斷的改變最初「貓村」的好意與樣貌，這故事持續改變著，相同創作者，在不同時空下前來的感受，那就更不一樣，若再刻意執著一些，找到相同一隻貓，相同的構圖原素，甚至是連「畫面」都完美複製出來，相信這二張不同時期拍攝的照片，訴說的照片故事也完全不同。

🔹若以這例子來看 – 刻意的在不同年代，拍出「完全一樣」，是「重播」還是「重製」還是「重拍」?　我認為「都不是」，貓村時空境遷改變了樣貌，最早的初衷也許也漸漸消失在人們回憶，僅保存於最早的文字、影像畫面裡，由於故事已經不同，拍攝出的「照片故事」，也應屬於新的作品，即使同一創作者，不同年代下心境路程也隨年紀增長有所不同，這創作者不同時期前來此處創作的「背後故事」我相信也是不同的故事。🔹

故事變了、人也變了，所有的事物都變了。

🟥回到攝影與攝影人
真的要問我「拍照，跟攝影有什麼不一樣」，這麼難的題目，要我用最簡單的回應的話，斬釘截鐵一點的說法，我認為是：

🔹「帶著主觀的意識，思維，並且追尋特定目的下的按下快門，這叫做 “攝影”；倘若只是隨手不經意的按下快門，那叫做 “拍照”。」🔹

相信這麼說一定會招來許多非議之論，若有機會我也許能再另外書寫一篇，我對這二者的看法，但這裡容我暫時取這樣子武斷的定義往下說。

這裡不談「不經意的拍照」，我們談談簡單的「攝影」，帶著主觀意識、思維，到了一場景追尋，心中抱持特定目標加以尋找，並且依當下的考量，決定了構圖與曝光所有的元素，最後按下快門產生照片，這張照片幅有著「故事」，與創作者有深刻的連結，說說這個「連結」，那就是創作者的「動機 Why」，也就是前面幾篇不斷說的「照片故事背後的故事」。

🔹為何總有人一個點、一個景追尋了數次，若水三千只取一瓢追尋的精神；反之他人不經意的按下快門，若這二人擦肩而過，都朝著相同點做出相同的拍照流動與動作，「作品意義與人的連結」大有不同，我想說到這兒，再配合前面數篇的分享，或許讀到這行字的任何人，能夠了解…，其實我說了這麼多篇、這麼多例子、觀念，我只是不斷表達一個觀念「照片故事確實是重點，但人與故事的連結才是深入照片的靈魂」🔹

單單是「照片故事」不是我最感興趣的，那個「創作者與作品的連結」可真的無法單純透過「一張照片搭配照片故事」就能清楚說明，談到那深入照片靈魂，並不是在照片裡頭鑽牛角尖，而是回到創作者個人的故事，才是最後一張照片的原點，我想我們更該在意這一點。

既然如此，那麼以上述「攝影」而不是「拍照」簡單武斷的定義下，攝影者所拍出的每張照片，除了「照片故事」外，也包含「攝影者的故事」，這兩個故事進而產生「連接與交集」，我們就可以說 – 在這樣子的交集之下，每一張照片自然沒有那個「差不多這麼拍」就好

🔹「焦距增減那 1mm，視角改變了一些，快門快慢一點、光圈大小一點、ISO 高低一點、白平衡 K 數左右偏了一些、最後焦點停留在哪」，這些細細的拍照流程裡的動作，都是每位攝影人「當下對場景的感知，透過內心的感受加以回應世界所做下的決定」🔹

再加上拍照條件總非十全十限，器材的限制、環境的條件，時間的壓迫…，甚至是身體的不適，都無法很難讓每張照片理想條件下誕生出來，但無論如何抱著攝影的心態下，每個參數的取捨，都是為了「創作與藝術」做的決定，任何一個決定、哪怕是重複一來再來的拍攝，我認為對自己都是獨一無二。

若是這樣，當我們表達分享一作品，自然就不會有「差不多，這麼拍就好」的說法，但表達分享過程，仍舊像是說故事分享的過程，而「說故事」這件事本身又是另外一項專有的領域，追尋精美的攝影作品後，也該花點時間在「表達、說故事」下點努力，畢竟我們知道「藝術，包含了前段創作的過程，也包含了後段分享表達的部分」，缺乏了前、後任一片段，都無法讓一張充滿靈性的照片，能被更多人看到、感受到。

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🔸9/19 (週日) 9am🔸
紐奧良 NOLA River Fest 音樂節｜線上首映

自從去年收到了一項來自紐約的特別邀約，而開啟了這個影片計劃，在醞釀努力將近一年的此刻，這部用「愛與原創作品」獻給爵士樂的電影《Jazz Changed, Jazz Changes, Jazz Changin’》即將誕生！

爵士樂如何改變了這個世界？文學、藝術、人權、種族…，因爵士樂誕生的特殊文化背景，它反映了不同的時代精神，也為時代注入了革新與驅動力。“Changes”—在爵士樂中是專有名詞，意為「和弦進行」。若僅留下原曲的「Changes 和弦進行」，但重新譜寫主題旋律，在爵士樂中即成為另一首新曲。這也是爵士樂其中一項包容與轉化、跨越國界的特質。影片名為《Jazz Changed, Jazz Changes, Jazz Changin’》，也是特別取其雙關之意，期待讓聽眾感受到爵士樂過去、現在、未來的改變與新意！影片中包含了四段如同旋轉木馬般不斷變化的台灣原創/非洲古巴爵士現場演出，另外也將集結重量級國際爵士樂學者/音樂家之訪談，引入爵士樂的時代意義——是致敬，也是革新——期待延續下一個屬於台灣的 Jazz Changes。

🔸 #四個獨特的台灣文化地景
我們期待從不同角度讓聽眾感受爵士樂，不僅拍攝現場演出，更希望將台灣獨特的文化地景與作曲內容發想結合，分享給國際觀眾。拍攝地點特別前往了四個對我們有著獨特意義的場景：鹿港天后宮、新店建國市場、台灣花磚博物館、薰衣草森林，呈現【Soy La Ley】古巴爵士樂團 Afro-Cuban Jazz Band 精彩的 live session。

🔸 #四位重量級國際受訪者
團長也特別越洋進行了四場國際訪談。在影片中訪問了曾與 Charles Llyod, Miles Davis, Jackie McLean, Herbie Hancock 和 Wayne Shoerter 等人合作過—亦是 Vincent Hsu 的啟蒙老師 Cecil McBee，分享他的爵士哲學與對下一代音樂人的期許。第二位受訪者則是 The National Jazz Museum in Harlem 的創始館長/爵士歷史學家 Loren Schoenberg，在片中他給予了爵士樂在2021年的最新定義並分享許多獨到的爵士見解。第三位是目前擔任茱莉亞爵士大樂團駐團指揮暨音樂總監的鼓手 Jerome Jennings，片中他提及非裔美國人文化與爵士音樂密不可分的關係。第四位受訪者是詩人/作家 Naomi Extra 博士，片中她將以文學的角度透視爵士樂與詩巧妙的連結。

🔸 #紐奧良首映
台灣時間9/19本週日早上9點，本片的首映即將獻給爵士樂的出生地一紐奧良！當地最具指標性的紐奧良爵士博物館 New Orleans Jazz Museum 將為這部電影舉辦一場線上世界首映。歡迎台灣的朋友們一起加入 (限時上架12小時)，共同欣賞這部以台灣的爵士人文思想出發，致敬爵士樂的音樂電影！

🔸 #演出者
Vincent Hsu & Soy La Ley Afro-Cuban Jazz Band
徐崇育 & Soy La Ley 古巴爵士樂團

Composition, Double Bass｜Vincent Hsu 徐崇育
Soprano Saxophone｜Hank Pan 潘恒健
Tenor Saxophone｜Justin Liao 廖莊廷
Guitar｜Shih-chun Lee 李世鈞
Piano｜Dennis Chung 鐘崇豪
Accordion｜林呈擎 Lin Chen-Chin
Drums｜Kuan-Liang Lin 林冠良
Drums｜Codified Biases 白克迪
Congas｜Carol Huang 黃昱寧

──2021 紐奧良 NOLA River Fest 音樂節──
《Jazz Changed, Jazz Changes, Jazz Changin’》
by 徐崇育 & Soy La Ley 古巴爵士樂團

Film Premiere
台灣時間 9/19 (週日) 早上 9am
美中時間 9/18 (週六) 晚上 8pm

線上首映連結：
https://www.facebook.com/nolajazzmuseum
音樂節官網：
https://www.nolariverfest.org/speakers2021
更多影片資訊請見：
https://fb.me/e/2oTzgS3Ji

＃有彈性的心靈 ＃自我反思
＃反求諸己 ＃週五的沉澱時間
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　別人出於本能的固執而抗拒你的好意，或許會讓你覺得有挫折感。但你可能沒有意會到的是，自己也有一樣的毛病：你也會出於牛脾氣而限制了自己的創意。
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　從小，我們的腦袋瓜其實是很有彈性的。我們學習新事物的速度會比大人快上很多。我們可以將這種「超能力」歸因於一種自覺無能或弱勢的感受。感覺自己比起大人什麼都不會，我們會產生想好好學習的動機。我們會發自內心產生好奇心與求知慾。我們會虛心以待雙親、同儕與師長的影響力。
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　進入青少年期，我們不少人都會有受到某本書或作家影響很深的體驗，我們會被書中新鮮的主意迷住，因為我們對影響力懷抱開放的心胸，因此這些早年與嶄新想法的邂逅，會深深入我們的心靈，成為我們自身思考方式的一部分，進而影響我們數十年之久。這一類的影響，會充實我們的心靈地景。事實上我們的智識與智力，也確實在很大程度上取決於我們從年長者與有智慧者身上汲取教訓與創意的能力。
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　如人體會隨著年齡增長而失去彈性，人的心靈也會在老化的過程中變硬。而相對於弱勢的感覺會賦予我們動力去學習，變強的優越感會在不知不覺中入侵我們，讓我們把新點子影力拒於門外。有些人會主張我們活在現代世界裡，警覺心來就應該要高一些，不好隨便相信別人。但比起被詐騙，更大的危險其實來自於心靈的封鎖。人愈年長，就愈是這種危險的高風險群，同時也是一種廣見於現代人類文化中的現象。
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　首先讓我們來定義一下何謂理想的心靈狀態，那是一種未成年的彈性與已成年的理性可以並存的狀態。這種兼具彈性與理性的心智，不會輕易對外來的影響力說不。而就像你得善用策略去融化他人的抗拒，你自己的心靈也需要同樣的軟化處理，以免你的思緒經久變硬。
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　要達到這樣的理想境地，我們首先必須採納蘇格拉底哲學中的金科玉律。蘇格拉底早年有位崇拜者是個名叫凱勒（Chaerephon）的年輕人。凱勒豐因為雅典人愈來愈不如他一般尊崇蘇格拉底而深感挫敗，於是他走訪祭祀太陽神阿波羅的德爾菲神廟（Oracle of Delphi）去問了一個問題：「放眼雅典，還有人比蘇拉底更具智慧嗎？」先知回答沒有。
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　凱勒豐覺得先知果然識貨，便興高彩烈地衝去把這好消息告訴他的恩師。但生性謙遜的蘇格拉底並不開心聽到這個消息，於是他決心要證明先知這麼說是錯的。他去拜訪了許多人，從政壇、藝術界、商場上，每一位都是在各自的領域中有頭有臉的人物，然後問了他們許多問題。如果是回答本業的問題，他們每個人都講得頭頭是道，聰明得不得了。但問題一旦牽扯到他們很明顯一無所知的主題，他們雖然還是會長篇大倫，但所說內容都是陳腔濫調，顯見不是深思熟慮過後的心得。
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　最後，蘇格拉底只得承認先知是對的――他確實是比其他人都有智慧，理由是，只有他一人認知到自身的無知。一次又一次，他再三確認了自身的想法，看到了自己的不足之處與卡在內心幼稚的情緒。他活在世上的座右銘是「未經審視的人生不值得活」。蘇格拉底的魅力所在，包括他之所以會在年輕人之間所向披靡，就在於他有一顆高度開放的心靈。本質上，蘇格拉底佔據了有如無知小兒般弱勢而無助的立場，有問不完的問題。
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　你可以這麼想：我們嘲笑十七世紀的祖先有各種迷信而不理性的想法，那二十五世紀的人又會如何嘲笑我們呢？科技雖然日新月異，但我們對世界的了解是有限的，我們的很多想法都受到上一代人所灌輸的偏見制約，受到文化的制約，也受到所屬歷史時期的制約。另外，人類的心靈日漸僵化，也讓我們的想法受到進一步的限縮。對我們所知抱持多一分的謙遜，將有助於我們多一分好奇心，也會讓我們對各式各樣的想法抱持多一分的興趣。
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📖以上摘文節錄自書籍《人性18法則：認識自己、透視他人，解碼人類行為第一專書》（The Laws of Human Nature）。
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　雖然本書書名乍聽之下可能會讓人誤以為，這是不是又是一本什麼讀心術、裡頭寫著各種沒有跟據的偽心理學書籍」，但實則不然。偷偷說，本書在美國亞馬遜獲得了5,827個讀者評分，拿到了將近滿分的4.8顆星（不查不知道，查了嚇一跳；但讀完，也許你會感覺不意外）。
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　作者羅伯‧葛林（Robert Greene）在本書裡融會貫通了包含歷史故事、人物史實，輔以心理學、哲學等概念，有憑有據地引經據典，試著切入探討各種真實出現在人類行為中的樣貌，背後深藏的故事。
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　雖然讀過後，我並不認同作者全部的論述，但我倒覺得，作者其實也未必希望讀者照單全身。反而希望我們駐足思考，甚至與他的分析進行對話。週五的夜晚，與大家分享這本好書。也十分感謝發行本書的 李茲文化 Leeds Publishing ，將這本好書帶給我們。
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👉 閱讀本書 https://reurl.cc/noA9Xn

【認真玩】2020台北雙年展 | 嚴肅的玩笑 |《你我不住在同一個星球》// 李長潔
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前往2020台北雙年展，台北的天空陰冷，以《你我不住在同一個星球》（You and I Don't Live on the Same Planet）為主題的北美館，並沒有明顯的國際性藝術大展的氣氛，灰白色的天空與牆面，灰白色的大廳與主視覺，一切像是某種策略性的低調，迫使著「台灣人」體驗著在「全球」疫情爆炸時，還能舉辦藝術大展的那種奢華。甚至懷疑，這雙年展，是不是策展人Bruno Latour的一個嚴肅的玩笑。
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▓ #知識論的改革實驗及其展演
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Bruno Latour，當代重要的人類學家、哲學家、社會學家，70年代後期開始，根據科技與社會的交纏關係，展開整個人類智識知識論的規劃，提出行動者網絡理論，重新思考啟蒙時代以來的人文主義，甚至是「有人以來」的人類主義，重新納入多重行動者的視域與軌跡，試圖在《實驗室生活》、《科學在行動》、《巴斯德的實驗室》、《我們從未現代過》、《激情的經濟學》、《面對蓋婭》等一系列的思想實驗與批判裡，獲得一點點解放「眾生」的機會。
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因為Latour的巨型-微型理論的裝置，與他無比的雄心，他的策展論述，看起來就是有種「救贖性」。已經好幾年了，幾乎每一次的大型展覽，都呈現滿滿的末日主義，藝術家與觀眾聯合起來懷舊、批評與哀悼。Latour帶著點科幻意味的拓樸學圖式策展，很容易讓人以為是一種微中二的救贖性，但其根本應該是用力跳離知識思辨與實踐框架的試圖。
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▓ #全球的否定的辯證法
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《你我不住在同一個星球》共分成「全球化星球」、「維安星球」、「脫逃星球」、「另類重力星球」、「實體星球」五個天文體，五個天文體被鑲嵌在一場向量不同的星（全）球解離當中。Latour式的「全球的否定的辯證法」倒轉、抽空、吸收了人類世界裡的所有主題，將我們吸入充滿矛盾的網絡當中，我們再也無法依靠前方的未來，標定逃逸的路線。我在想，這是否也是我看不是很懂這次展覽的緣故，所有的定義、展示、證明、翻譯都暫時失效了，這個失效可能發生在任何一個層次上：觀賞者、藝術家、策展者。
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撇開知識論的難題。到底這展覽好不好看呢？
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▓ #嚴謹的審美
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有幾個作品在藝術性與理論性上，都算是嚴謹又精采，挺奇怪的，嚴謹居然成為藝術批評的論斷之一，說明了當代藝術「跨域」的性質。例如在「實體星球」部分，領土仲介所的《變動的海洋》（Oceans in Transformation, 2020），他用 資料視覺化的方式，模擬 / 詮釋了敏感的海洋資料軌跡，資料數據的「量」的概念，變成了一種兼具審美與分析的溝通。
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▓ #體驗行動者的網絡
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《跨物種影像交會》（Interspecies Cinematic Encounters, 2020），則在諾大的黑色展場空間中，透過大型的鋼架組構裝置，架構出多重世界與複數行動者的觀賞體驗，人類、動物、植物、礦物、水、霧霾、鬼魂、精靈等，在其間互相接觸、調解、感染、融合、轉化彼此。某個程度上，雖然沒有很多，但在佈展上算是比較奇觀而複雜，觀眾似乎可以體驗到行動者網絡理論的表面意涵。
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▓ #辯證劇場與概念地景
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最精采的作品，莫過於《質量／彌撒》（Mass, 2020）的物理學 / 哲學辯證劇場，藝術家在展場打造出一個由影像、光線、聲音、道具所構成的思想劇場，你可以步行穿梭於概念地景中，參與影片中物理學家的哲學對話，探索當代物質性之辯論：對立的兩個物理理論模型，無限大（相對論）和無限小（量子物理學），那是不存在於相同世界的兩種現實。
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▓ #作品之外的作品
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最後，令我關注的焦點，盡然很常發生在非展示場域中。像是比以往更加不明顯、更加低調的展場設計，完全剝除藝術展覽肩負大眾娛樂與教育的目標，回到一種思想與實作的集合體實驗上，如「協商劇場」（Théâtre des négociations）的運行。
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另外，如關閉電源的二樓電梯，讓觀眾自行用身體力量，步上二樓階梯。然後，在二樓展覽開始處，觀眾先看到的居然不是《你我不住在同一個星球》的策展主題，而是「參觀須知」：戴口罩、勤洗手、保持1.5公尺以上距離。你的全球「不是」/「就是」你的全球，深深的、日常的、真切的反諷啊~ 比作品還精彩（誤）

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#官方網站：https://www.taipeibiennial.org/2020

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#值得去看個5次
#比天能燒腦
#但天能我真的睡著

序 - 附著與穿越 曾敏雄

「不要跟隨道路的方向前進，走到沒有路徑的地方，留下足跡。」- 拉爾夫.沃爾多.艾默森


按下快門的當下，我們擁有的是什麼？是找到的驚喜？還是創造的滿足？

對於這個爭論，蘇珊.桑塔（Susan Sontag）在其《論攝影》（ON PHOTOGRAPHY）第五章中提到：攝影對於「認知」的辯論 —「要嘛作為一種簡單、準確的認知活動，一種有意識的理智行為；要嘛作為一種前理智的、直覺的邂逅模式」。這本攝影集裡的作品，充分體現了蘇珊.桑塔所說的有意識的理智行為以及直覺的邂逅模式。

這十位新一代的攝影家，背景各異，來自台灣南北各地，每個月會有一天聚集到台中我的工作室裡彼此討論作品，作為一個與他們討論的對象，我卻經常從他們的作品中找到新想法，或者是必須逼迫自己重新組織既有的觀念來更深入地解釋他們的作品，這過程往往得花上一整天，很累但也很過癮，我從他們身上學到的不少，他們努力不懈與積極的態度，再一次喚醒自己對攝影的熱情，這些都是我的養分，讓我的攝影一路能走到今天。

理智行為與邂垢模式

文波的作品《寂靜・低語》，從一開始他就非常地明白，這是一種去脈絡化的切片攝影行為，藉由再次觀看，重新建立起他的脈絡；風景攝影的描述，或許就屬安瑟.亞當斯（Ansel Adams）最為大家熟知，文波的作品少了亞當斯紀實成份的描述，卻多了抽象式的隱喻，他放棄照單全收的觀看方式，從現實具體的風景中逐漸轉換成他的切片，雪景的淡白一如曠野的濃黑，建構出安靜、低吟的話語來。

碧玲的《失衡》，抹去了紀實攝影的直觀式記錄，讓觀看的畫面滲入了作者私我的猶疑晃動，為第三世界日常的現實生活樣貌中，賦予一種略為脫離現實的無奈，而這無奈，一半來自真實的世界，一半來自作者心中的衝擊與無力感。

慶章的壯遊快門，一如寇德卡（Josef Koudelka）的流放地（Exiles)，他屏棄了畫面外的景物，只悄悄的告訴了觀看者這是作者在場的主觀抉擇，進而提出了一個隱晦的問題：「藉由照片，觀看者是否如同作者一樣在場？」我們不難在世界上知名的攝影家中找到這些存在主義色彩濃厚又帶點街頭快拍式的作品，在虛幻的場景變換游移當中，一如這些成熟的攝影家，慶章作品中微微的現實荒謬，有些淡淡的諷刺與寂寞，作者本人稱這些作品為《幻相》。

凌雲幻想式的畫面，彷彿一半在現實世界中矗立，一半在想像的世界中某個不知名的角落綻放，攝影在此脫離了最原始的記錄功能，將現實物從「眼見」轉換為「心見」，這種轉換的過程，日本攝影家中平卓馬形容為「詩意」，凌雲的「詩意」展現在不按牌理的景物框取，豐富卻又脫離現實的色彩表現，有點像是在大人成熟的眼光中卻又帶著小孩純真的思維來觀看。

惠民的《羅生門》，門的這邊是外面，是公共領域，門的那邊是裡面，是私有空間，門作為一種隔離內外的界線，它是清楚而不可侵犯，然而，惠民在日常踏查中卻發現，實際的情形是門裡面的土地被私人在沒有告知土地擁有者的情形下被開發利用，私自開發者用「門」來標示出他私人開發範圍的入口，而這入口恰恰好也標舉著私人與公共空間界線曖昧不明的證據，攝影在此作為一種觀察後的紀錄行為，方惠民的「羅生門」讓我們得以了解，在現代化的社會中，仍有私佔土地這種不可思議的現象存在。

信嘉的《自拍》作品，他舉了安東.契軻夫（Anton Chekhov）所說：創作者得誠實到...觀者無法逃避！在世界攝影史中，照片是否強大到具有讓觀者無法逃避這樣的力量另待討論，然而，信嘉特意在安排好場景後，只略為告知對象一些操作上的細節，便將快門線交給對方之後他便離場，讓對象自己面對鏡頭進而自己拍下自己身體的樣貌，在觀看這些作品之時，或許我們會先從窺視者的角色中得到快感，一開始想到的是「他們好勇敢啊」「她們的身體很美」... 慢慢轉變到「他們為什麼要這樣拍下自己呢？」「她們在按下快門的瞬間，腦袋裡想的是什麼？」「她們是如何看待自己的身體？」「我又是如何看待自己的身體？」若觀看者轉化到後面的思考行為，或許信嘉所說的透過觀看這群人，得以觀省自己的想法才能達成。

敏寬的《名牌花》，在全球化的浪潮之下，生產與消費，藉由傳播，我們對於日常生活中必需品的知名品牌耳熟能詳，在習慣於使用這些物品之後，或許我們堅信如此知名的品牌企業應該能永續經營，然而，時間與市場是無情的，不適者淘汰，敏寬採用了靜物攝影的方式，藉由「花的美好，卻仍舊凋零」，搭配了品牌的容器，暗喻了再怎麼美好的事物終有結束的一天，更重要的是，當品牌結束後，這些人造物容器的分解有些需要50年的時間，有些則需要超過百年以上，甚至比企業存在於這世界的時間更久，藉由敏寬的「名牌花」，或許我們會重新審視自己，在我們當一個消費者的角色時，我們更應該如何看待地球的資源與環境問題。

肇圀的《夾娃娃機》，2019年年底某天晚上十點多，我在金門金城鎮散步，看到一家亮晃晃的夾娃娃機店還在營業，或許還有更多家店開著也說不定，對於在純樸的金門這麼晚還看到這景象，不禁令人好奇：台灣社會需要這麼多的夾娃娃機店？或者，更深入的討論，台灣人的生活壓力大到需要這麼多簡單放鬆的時光？日本評論家飯澤耕太郎曾說，一個好的創作者，其作品經常能反映出一個時代，對於飯澤耕太郎所說「時代」到底需要多久時間才得以形成，我們無從定義，但若說台灣風靡夾娃娃機已經是某一個時期普遍的社會現象，則應該不至於是一個誇張的說法，只是，這種一窩蜂的現象到底能維持多久？我想沒人敢打包票，即便連夾娃娃機店的主人也是如此，正因為大家心知肚明，這只是一個現代社會快速變遷的現象之一，所以即便開店經營，索性就連招牌也不用了，於是到處看到店裡面是經營夾娃娃機，店招牌卻跟這一點關係也沒有的荒謬，形成了一個有趣特殊的社會現象，肇圀以嚴謹的社會地景拍法記錄下了這個曾經屬於我們這一代台灣人特別的記憶。


馨儀的《變裝者》，從變裝前的自我，到變裝後的他者，這「自我與他者」之間是否有一道界線？是在到達這條線之前，還是在這條線上，抑或跨過了這條線，自己將會變成一個陌生的他者？而這條線，是藉由化妝？服裝？還是因為在鏡頭關注（我們都處在鏡頭的這端觀看）下，就會喚醒心裡面的另一個人出現？或者，在我們日常生活中，或多或少都有配戴面具的時候，只有在變裝了之後，才是真實自我的展現？馨儀引述了羅蘭巴特（Roland Barthes）説的：「面對鏡頭，我同時是：我自以為的我，我希望別人以為的我，攝影師眼中的我，還有他藉以展現技藝的我。」 馨儀在很困難拮据的情況下，南北奔波，以肖像新紀實的手法告訴觀者，台灣一種次文化生活的樣貌。

志豪的《光世代》，引發了我的一個小小記憶，小時候我住在南部鄉下，每次上台北都是大事，記得傍晚時分遊覽車過新店溪之後，小孩子的眼睛對於都市的高樓與燈光總是充滿著好奇與憧憬，幾十年過去了，都市的燈光從照明的功能變得更迷離多樣，而現代人生活步調加快的速度亦不遑多讓。杉本博司的「劇院」系列，螢幕上一片空白，這片空白標舉出了機器（底片）與人眼的不同之處，人眼觀看之後產生記憶，於是我們有了電影的劇情轉換，機器（底片）缺少了記憶，於是只以紀錄的方式存在，最終形成一片空白，志豪的「光世代」，乍看之下雖然同樣是一片空白，但是這一片空白所標舉的，卻是現代人資訊氾濫爆炸的結果，當後一秒的資訊不斷的覆蓋前一秒的資訊時，你到底能留下多少訊息？當資訊不斷的覆蓋更迭，在生活步調急速加快的現代社會中，或許在我們腦海裡留下的只剩一片空白吧？！

留下足跡

「不要跟隨道路的方向前進，走到沒有路徑的地方，留下足跡。」在我與這十位新一代攝影家討論作品的期間，曾經引用艾默森的這句話來彼此鼓勵，在網路盛行的這個年代，我們很容易看見有這麼多新奇的想法已經用攝影的方式來表現了，換句話說，我們很難再找到一條沒有人走過的路徑，然而，正因為如此，或許我們可以轉個方向，用力一點，留下一點走過的足跡，這本攝影集正是這十位新一代攝影家的足跡印證，同時在台灣艱困的攝影大環境中，或許這本攝影集也能踩踏出一個小小的鞋印。

感謝張照堂，郭力昕與張世倫三位老師曾經與這十位新一代攝影家討論作品，同時更感謝照堂老師為這本攝影集定名「附著與穿越」，我想，這個書名，已然包含了書中所有作品的文本根基！

吳孟真的爺爺在重慶北路開設攝影器材行，是以從小就有家學淵源，8歲時隨赴美就讀的父親返台時，獲得相機，從此埋下她對攝影的興趣。大學時就讀社會學的吳孟真，因參加攝影社團學得一些暗房技術基礎，其後赴英攻讀建築史，取得碩士後返台，經過長時間慎重考慮後發現自己不適宜走學術方面，她並不想被單一學科的方法綁住，因此平常就喜歡大量拍照的吳孟真，選擇邁向藝術創作之路。
自言社會學其實從未離開自己生命的吳孟真，以社會學作為看世界的方法，觀察以後，再透過藝術作品去進行理論化，並拓展想像力。將建築史、社會學與攝影藝術鎔鑄成一體的她認為，藝術品就是更為親近人的學術論文。
在美國波士頓攻讀藝術碩士時，吳孟真從中國快餐店提供的外食，提取靈感，拍攝出《芥蘭牛》系列，以凝固成形的外帶食物，去探索當文化移動到他方，被環境塑型、被簡化定義的刻板印象。
臺北街巷常見的景觀之一，是家家戶戶經由盆栽佔地為王。於是，吳孟真拍攝各種盆栽，將之輸出為幾乎是1：1的大型照片，放回同樣位置，完成短暫佔領該空間的行為藝術，並用影像紀錄下來，此即《植街劃家》系列。
《塔城》系列更有趣，吳孟真先請人以空拍機拍下高樓大廈的水塔，再將9張水塔照拼貼成1張水塔照，最後以描圖紙與複寫紙描下水塔的線條，進行形狀拼貼與延伸成虛構的地景，彷若她在打造一座看不見的城市。
曾在奇岩捷運站出口展出的《翻轉地景：北投在地影像採集計畫》是《塔城》系列的再變形，吳孟真將水塔造城圖輸出為照片，並將部分的水塔照片後製貼回圖像，讓人難以辨認，但又有奇異的熟悉感。
反覆辯證、思維平面與立體空間的複雜成因與關係，與及重現人類如何以自身意志建造外在世界，是吳孟真創作甚為鮮明的特質。而她在《塔城》系列也找到獨特的結論，也許什麼都不像的風格，就是台灣風格。


小檔案
吳孟真出生於臺灣臺北，臺大社會系畢業（2000），自倫敦大學巴特列建築學院取得建築史碩士（2002），後在美國波士頓美術館藝術學校完成藝術碩士學位（2012）。
她透過創作探討「形式」如何構成認同或普遍的印象，以及其中所隱含的文化與美學價值。使用媒材包含攝影、空間裝置與行為藝術。作品曾在波士頓美術館（2010）和新英格蘭攝影雙年展（2013）等地展出。
2014年獲文化部藝術新秀發表獎助，在臺灣展出《可道地》（2015）。2016年參與高雄市立美術館《快拍慢想：編導式攝影的社會光譜》的展出。作品〈塔城〉曾入選2018年高雄獎，同年以戶外裝置作品〈日畦〉參與第一屆的臺南國際攝影節。

專訪影片：https://goo.gl/7XZ2co